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GACMA presenta la exposición #UNDER35 (2nd edition) una selección de 29 artistas emergentes andaluces.

11 septiembre, 2015 - 10:30

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Desde GACMA presentamos la exposición #Under35 (2nd edition) donde se han seleccionado a 29 artistas andaluces menores de 35 años después de estudio del mercado del arte emergente en Málaga, realizado en el marco del proyecto I+D+i del Cei Biotic de la Universidad de Granada titulado “Análisis del Mercado del Arte Emergente en Andalucía y desarrollo de nuevos métodos para la estimación del valor de las obras y la predicción del éxito de los artistas en el mercado glocal” coordinado


En este estudio realizado en la provincia de Málaga por Silvia López (UMA), Cecilio Rodríguez (GACMA) y Antonella Montinaro (GACMA) se ha tenido en cuenta por un lado las políticas culturales y sub-culturales que se realizan desde las distintas instituciones para impulsar el arte de jóvenes creadores y por otro lado, el estudio de casos concretos de artistas emergentes y jóvenes, entendiendo por emergentes a los menores de 35 años y por jóvenes a los menores de 45 y centrándonos en los emergentes.
En esta segunda edición hemos ampliado los artistas presentados en la primera muestra de 2014, con nuevos artistas igualmente vinculados a la ciudad de Málaga, para dar una visión más completa del arte joven en nuestra zona de influencia.

El artista “emergente” suele ser un joven ambicioso y competente, cuyo trabajo es fruto de la disciplina diaria y de una constante situación de alerta: premios, concursos, becas, subvenciones, participación exposiciones colectivas. El lenguaje visual contemporáneo a veces implica la ejecución de piezas poco o nada vendibles, ya sea por la técnica o por la necesidad de grandes espacios para su montaje, cuestión nada fácil de solventar si pensamos en coleccionistas privados, algo más fácil para proyectos públicos o institucionales y más si pensamos en un mercado glocal, es decir al mismo tiempo local y global.
Es precisamente el conocimiento del lenguaje creativo que tienen los jóvenes valores emergentes malagueños, debido a su incipiente formación teórica, lo que les permite ingeniar una serie de propuestas particulares manejando materiales casi impensables para las generaciones anteriores.
Resulta absurdo hablar de arte malagueño, ya que todos estos jóvenes creadores se manejan dentro de un contexto infinitamente más amplio, e idéntico al de otros creadores que desarrollan sus trabajos en lugares distantes. Si bien comparten ideas, la manera de llevarlas a cabo son las más diversas, destacando la facilidad para cambiar de herramienta o medio. Atentos a los mecanismos que rigen el arte para poder acceder a ellos, intentan dibujar un camino personal, disimulando sus influencias.

Los últimos años en Málaga se han caracterizado por la llegada de nuevos bríos creativos que advierten de una forma distinta de sentir y desarrollar el arte y desde GACMA queremos dar nuestro punto de vista acerca del arte emergente en nuestra ciudad con esta selección de artistas, de distintas disciplinas, que hemos ordenado en un listado por orden puramente alfabético.

Los artistas que participan en la exposición #UNDER35 2nd edition son Luis Alhama (Córdoba, 1984); Pablo Caro Revidiego (Málaga, 1987); Ana Castillo (Granada, 1981); Arturo Comas (Sevilla, 1982); Dadi Dreucol; Laura Franco (Málaga, 1985); Gonzalo Fuentes (Málaga, 1991); Clara Gómez Campos (Córdoba, 1990); Lola Guerrera (Córdoba, 1982); Alejandro Martín Parra (Málaga, 1982); Federico Miró (Málaga, 1991); Bartolomé Montes (Linares, 1979); Violeta Niebla (Málaga, 1981); Erika Pardo Skoug (Málaga, 1980); Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990); Eugenio Rivas (Córdoba, 1982); Florencia Rojas (Argentina, 1984); Beatriz Ros (Málaga, 1984); Virginia Rota (Málaga, 1989); Alicia Roy (Málaga, 1986); Victoria Sahores Ripoll (Argentina, 1985); Zeus Sánchez Cañete (Córdoba, 1985); Jonás Torres (Sevilla, 1983); Antonio José Vallejo (Cádiz, 1987); Roberto Urbano (Granada, 1979); José Luis Valverde (Málaga, 1987); Elo Vázquez (Sevilla, 1983); David Villalba (Sevilla, 1982); Hadaly Villasclaras (Málaga, 1989).

Luis Alhama (Córdoba, 1984)
Es licenciado en BBAA por la Universidad Politécnica de Valencia, donde en 2010 realiza un Máster que dará lugar a su tesis sobre el concepto de lo extraño. Posteriormente se traslada a Berlín, donde realiza varias exposiciones la última de ellas en la embajada española y en la Galería Julia Dórsch en Berlín. Participa anteriormente en la feria de arte Art and Breakfast en Málaga, Under 35,(galería Gacma, Málaga), Captured Nature (Fellini Gallery, Berlin) o Plastik (Bauchund gallery, Berlin). Ha sido premiado en varios concursos como el I Certamen nacional de Arte nacional Pancho Cossío, mención especial en el X Certamen Desencaja de artes plásticas, Málaga Crea y otras selecciones.

En las piezas Cabezas Panal y Pensamiento Racional (2014) el artista presenta unas piezas de resina cerámica con imágenes de cabezas.
Esta serie de pequeñas piezas esbozan historias sobre algunos de nuestros sistemas de pensamiento en torno a las cuales edificamos nuestros equilibrios mentales.
Su naturaleza responde a la conjunción de elementos que tienen que ver con lo monstruoso y que contraponen fundamentalmente el humor con el drama y los conceptos de lo real y lo fantástico.

Pablo Caro Revidiego (Málaga, 1987)
Licenciado en BBAA por la Universidad de Málaga en el año 2010, completa sus estudios en 2011 con el Máster en Desarrollos Sociales de la Cultura Artística y comienza su Tesis doctoral en Ilustración Contemporánea en la misma universidad. Dibujante e ilustrador y creativo freelance, ha publicado portadas en distintas ocasiones como profesional así como colaborador en multitud de proyectos editoriales y artísticos.
Ha expuesto su trabajo de manera colectiva en distintos espacios públicos y privados de la ciudad de Málaga. Recientemente ha expuesto su primera exposición individual en la Sala Iniciarte del Palmeral de las Sorpresas con su propuesta “Bestiario Floral”, consiguiendo un gran éxito de público y crítica. Sus ilustraciones han sido publicadas en Roca Editorial, Círculo Rojo, SPICUM, Sociedad Latina de Comunicación Social, la Asociación de Editores Andaluces, Zoom Magazine, Revista WEGO y Diario Sur entre otras.
En la Serie Babel el artista utiliza las técnicas tradicionales combinando con esta experimentación tintas y collage en una suerte de extraños paisajes, que invitan a perderse en ciudades de equilibrios imposibles, del absurdo y lo grotesco, de los bello y de lo feo, creando unas ilustraciones que poseen una atmósfera onírica o un cierto surrealismo realista.
Cada ilustración es como una “torre de Babel”, que se sostienen en un concepto y a la vez con cada casita, cada detalle es una historia en sí misma, cada pequeño personaje intento que el espectador se adentre en ese mundo que se construye sobre la torre. Es intención del artista plantear una reflexión, más o menos profunda, sobre cuestiones con intención crítica y que pueden ir desde la desigualdad a la sostenibilidad como en La relatividad y El dispendio, hasta otras de carácter emocional o psicológico como en “El espejismo” o “El cascarón”.

Ana Castillo (Granada, 1981)
Artista multidisciplinar y diseñadora gráfica actualmente establecida en Málaga, creció en el sur de Francia y continuó su formación en distintas ciudades europeas. Hija de un escultor, estudió diseño gráfico y comunicación visual en Montpellier y se formó al dibujo y a la pintura de manera autodidacta. Entre sus principales exposiciones podemos destacar Museo Jean Moulin, París; Museu Memorial de l’Exili en Jonquera; Plaza de Toros de Las Ventas, Madrid o proyectos en varias galerías de Francia e Inglaterra. La artista se expresa a través de la ilustración, pintura, collages o diseño gráfico y se inspira en la música, la moda y el cómic independiente, basándose mayormente en los retratos y en la expresividad de los rostros y sugerir su dimensión psicológica.
En la obra Desierto (2015) la artista recolecta distintas imágenes para elaborar una composición, una especie de collage, donde como de costumbre destaca un retrato, colocando a su personaje en un entorno misterioso.

Arturo Comas (Sevilla, 1982)
es licenciado en BBAA y en los últimos años ha mostrado su trabajo en lugares como la Galería de Arte Luis Adelantado (Call 14), Jäälphoto, Art&Breakfast (Málaga), MUVIM (Valencia) dentro del marco de Incubarte V, ECCO (Cádiz), Bienal de Fotografía de Córdoba 2013, Casa Sostoa (Málaga), entre otros. Y en este mismo momento podemos ver su obra en Galería de Arte La Lisa (Albacete), Palma Photo 2015 y en el XXXVI Certamen Nacional de Arte Contemporáneo Ciudad de Utrera donde ha obtenido uno de los premios de adquisición de obra.
Su trabajo gira en torno al absurdo. El absurdo como filosofía de vida, el estado perfecto para ponerlo todo en duda y generador de consciencia. Entre sus intereses se encuentran el azar, el ridículo, lo insignificante, el error y defensor a ultranza del “hacer para nada”… conceptos que incomodan a una sociedad que, basada en la “lógica” y el dinero, nos convierte en esclavos de lo útil. Decidió entregar su vida al absurdo porque cree que es lo más lógico que puede hacer.
En “Desmitificando a los clásicos” vemos como el artista usa dos guías de sala de Goya y Velázquez, dos de los “indiscutibles” grandes artistas de la historia del Arte, y tras abrirle un agujero se las inserta en su propia nariz y oreja, respectivamente, para hacerse un autorretrato. Como en el resto de su obra, nos enseña nuevos caminos y formas de ver las cosas. Nos muestra formas de hacer que no son las “correctas” o previsibles. Parece querer demostrarnos que no hay nada certero, que todo es discutible y revisable. Una continua invitación a que miremos dentro de nosotros y juguemos a dejarnos llevar, sin pasar por el filtro de lo que conocemos como “lógica”.

Dadi Dreucol
DD prefiere separar su identidad personal de su identidad artística.Su proyecto nace para investigar el entorno urbano desde una perspectiva práctica, sin olvidar nunca la teoría. Pintura mural, dibujo, fotografía, video o performance; cualquier disciplina es válida con el fin de aportar reflexiones, habitualmente sobre el medio en el que el artista desarrolla su trabajo: el entorno urbano. Aunque realiza estudios universitarios de arte, sobre todo investiga el movimiento de la calle, primero desde el graffiti y más tarde desde otras disciplinas artísticas compatibles. Ha participado en diferentes festivales internacionales de pintura mural, y ha expuesto de manera colectiva e individual en museos como el CAC Málaga o la Fundación Chirivella Soriano de Valencia. DD es una causa que conlleva consecuencias en sus actos. En la calle usa las alcantarillas para tirar la pintura aguada que le sobra y las fuentes para limpiar sus pinceles; en el estudio piensa sobre soportes y mueve manos y ojos para ejecutar sus ideas. No hace nada más. No quiere. Causa consecuencias.
La obra Cabezas de barbudo dispuestas según las leyes del azar es el resultado de un ejercicio en el cual el artista, realizando un cálculo matemático con números al azar, sitúa las cabezas de su característico personaje barbudo y unos círculos de color según el dictado de esos cálculos al azar. La obra, estéticamente es un claro guiño a la pieza Spots del controvertido artista británico Damien Hirst.
El artista quiere con esta obra evitar poner un orden a todo intentando disponer cabezas y círculos de color sobre una superficie de una manera dadaísta, es decir libre y absolutamente aleatoria, como puro hecho artístico.

Laura Franco Carrión (Málaga, 1985)
Diplomada de Estudios Avanzados en Bellas Artes, Diseño y Nuevas Tecnologías, también es Licenciada en Comunicación Audiovisual y Técnico Superior en Fotografía Artística. Ha sido galardonada en el III Edición del Certamen fotográfico de creación universitaria andaluza Contemporarte y finalista dentro del Málaga Crea. Ha participado en diferentes muestras artísticas a nivel nacional e internacional. Actualmente trabaja en el proyecto cultural Espacio Cienfuegos.
En la obra Pivote Rojo (2015) la artista trabaja sobre la experiencia en un museo que aún no se conoce, dentro del auge museístico que está viviendo nuestra ciudad. Su obra, un enorme pivote actúa como un zoom, como un reclamo señalético y es una metáfora del proceso de crecimiento que acontece en el sector cultural de Málaga.

Gonzalo Fuentes (Málaga, 1991)
Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2013). Ha completado su formación realizando el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid (2014).
Ha participado en varias exposiciones colectivas, destacando “Saque de puerta”, Centro Arte Complutense (2014), “El ojo efervescente”, Centro Cultural Provincial de Málaga (2013) o la Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART en Bilbao (2011).
Ha sido premiado y seleccionado en varios concursos, como la Muestra de Artes Visuales Málaga Crea en 2015, NordArt 2015, el Premio de pintura de la Universidad de Málaga en 2013 o Griffin Art Prize en 2014. Ha obtenido a su vez diferentes becas como la Beca IV Encontro de Artistas Novos Cidade da Cultura, o la II Beca Artista Residente de Postgrado de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Málaga, ambas en 2014.
Como podemos apreciar en esta pieza Sin Título (2015) la producción pictórica indaga en el diseño y la arquitectura contemporánea, donde a partir de la manipulación digital recrea una serie de espacialidades ambiguas, que generan inquietud y extrañeza en el espectador. A partir de elementos reales la elección y deformación de los espacios ha ido transformándose, obra tras obra, en una desfragmentación de las formas, que progresivamente avanza hacia una abstracción geométrica. Los elementos que lo componen se liberan en un campo de fuerzas, colisiones y fronteras, y se mueven en un espacio virtual.

Clara Gómez Campos (Córdoba, 1990)
Licenciada en Bellas Artes por la especializada en Pintura por la Universidad de Sevilla, donde ha colaborado en su Departamento.
Premiada con la beca de la Junta de Andalucía INICIARTE con su proyecto “TÉMPERA SOBRE PAISAJE”; trabajadora multidisciplinar, ha expuesto su trabajo pictórico en diversas galerías y colecciones de arte nacionales, y en numerosas muestras colectivas, entre ellas la titulada “Estado Crítico” (El Arsenal), “Colaborando + Creando” (Facultad de Bellas Artes de Sevilla), XXXIV Certamen Nacional de Artes Plásticas “Ciudad de Utrera”. Utrera (Sevilla), Primera Muestra de Arte Joven de Córdoba, en la 3ª Edición de la Oysho Gallery (Madrid), y finalista Muestra Expositiva Biennal d’Art Jove de la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell, (Barcelona)
Vivimos atrapados en el nuevo Síndrome de Estocolmo del “todo incluido”, colaborando a un aplanamiento kitsch de lo real que no podemos percibir, en muchos momentos, como otra cosa que un reality show.
La serie Jauja muestra falsos paraísos, con naturalezas paradisíacas y recién habitadas por exploradores: personas con pantalón corto, chanclas y calcetines.
Los exploradores están insertos en un paisaje publicitario; contemplamos fragmentos de cuerpos jóvenes, con ropa desenfadada y colorista, teniendo como fondo exuberantes flores o fragmentos de El jardín de las delicias de El Bosco.
La obra adopta una actitud “antropofágica”, apropiándose una imagen canónica pero también parodiando estilos pictóricos y estereotipos de los mass-media; todo edificado en un universo de apariencia feliz, donde lo más parecido al antiguo paraíso deshabitado es DISNEYLAND.

Lola Guerrera (Córdoba, 1982)
Es licenciada en Comunicación Audiovisual por la universidad de Málaga y Master en Fotografía. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Inglaterra, Portugal, Francia, Guatemala y México. Ha recibido diferentes galardones entre los que destacan el Primer Premio MALAGACREA2013, la Beca de Creación Artística para Iberoamericanos en México, el Festival de Fotografía Internacional SIPF (Singapure), Descubrimientos PhotoEspaña 2010; y los premios Fundación Biodiversidad, Caminos de Hierro y Certámen Andaluz de Fotografía 2008. Sus fotografías han sido adquiridas por instituciones privadas tales como el Museo de Arte Contemporáneo de Málaga, y el Centro Nacional de las Artes de México. En 2014 gana el premio de fotografía FUNDACIÓN AENA y en 2015 la subvención Artes Plásticas de la Fundación Rafael Botí para la producción.
Las inquietudes de la artista hacia el concepto de lo efímero siempre han estado más ligadas a sus componentes naturales (vida-muerte) aunque en estas obras da un giro hacia un planteamiento más social.
El águila siempre ha sido representado como un símbolo de poder, hegemonía o imperios. Utilizado por numerosos regímenes, está presente tanto en banderas, escudos y monedas. Pero a lo largo de la Historia de la humanidad, hemos visto como muchos de estos regímenes o imperios han caído, a pesar de demostrar una hegemonía y un sistema de desarrollo fuerte y sólido. Por lo que trasladando dichas reflexiones a nuestro sistema actual, la artista siente que al igual que el imperio romano, nuestros cimientos civiles y sociales se están tambaleando ante lo que pensábamos y suponíamos un sistema de derechos estable y seguro. Por ello, extrapola lo efimero a todo sistema y lo simboliza con la desintegración de la figura del águila nada más y nada menos que en unas ruinas romanas.
En el video Eterno efímero se grabó la desintegración de 2 esculturas efímeras con forma de águilas, realizadas con plantas y flores en la Villa Romana de El ruedo. Dicha instalación se grabó durante los días que duró su desintegración. Para ello se colocó una cámara que grabó 24 horas, y fue retransmitido en streaming a través de internet en un soporte web diseñado y creado específicamente para dicha pieza. Así mismo se documentó con detalle para realizar finalmente un video documental de todo el proceso.
El proyecto final se complementó con una fotografía a gran escala de la escultura principal ya deteriorada, más una serie de 8 dibujos a tinta sobre papel, en los que a través de la superposición de las siluetas de las principales águilas representantes de los imperios dominantes de la historia de la humanidad, relleno con tintas distintas partes aleatorias para crear Nuevas Águilas como suma de la historia de cada una de ellas.

Alejandro Martín Parra (Málaga, 1982)
Ha desarrollado su trayectoria profesional como desarrollador web y fotógrafo en diversos ámbitos comerciales, aunque en la actualidad ha centrado su quehacer en el campo de la fotografía.
En 2013 se integra en el colectivo artístico Espacio Cienfuegos.
Últimamente su trabajo se ha podido ver en sitios como Art&Breakfast, Espacio Iniciarte o Casa Sostoa.
El proyecto Endless Road (2014) está enmarcado dentro del movimiento que en 2011 Joan Fontcuberta denominaría como la Postfotografía.
Realizado a partir de imágenes buscadas en Internet -en concreto de Google Street View-, conseguidas mediante capturas de pantalla, imágenes que posteriormente son seleccionadas, editadas y procesadas para darles un nuevo significado.
Cada imagen de la serie Endless Road: Sides muestra una carretera interminable y solitaria que divide lo que parece ser un paisaje cualquiera, pero si se presta atención podremos descubrir que algo no cuadra, ¿en una cara de la carretera un desierto y en la otra un campo de cultivo? ¿una tundra nevada frente a un denso bosque? ¿es resultado del cambio climático? ¿algo que podemos ver actualmente o que no llegaremos a ver?

Federico Miró (Málaga, 1991)
Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2013). Ha completado su formación realizando el Máster de Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid (2014).
Cuenta con dos exposiciones individuales, “El ojo sorprendido” en la galería Marta Cervera de Madrid (2014) y “Hasta donde la mirada alcance” en la sala de exposiciones de Bellas Artes de Málaga (2013).
Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, destacando “BIUNIC” en la Fundación Valentín de Madariaga Sevilla, “Made in Spain” en CAC Málaga, “Por Venir” en la Casa de Velázquez en Madrid (2014) “Pasado Presente Futuro” Centro de Arte Complutense de Madrid (2015) “Saque de puerta”, Centro Arte Complutense (2014), “Puertas Abiertas” de Bilbao Arte (2014), “Salón de Verano” en la Sala de exposiciones de Moncloa, Madrid (2014) o la Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART en Bilbao (2011). Ha obtenido el primer premio en diferentes concursos nacionales y locales como en la exposición “Salón de Verano” en salaMoncloa en Madrid (2014), exposición de becados del curso de paisaje de Segovia (2013) o Premio de Pintura de la UMA (2013).También ha sido finalista en varios concursos destacando Griffin Art Prize en 2014.en Londres.
Ha obtenido a su vez diferentes becas como la Beca de la Casa de Velázquez en Madrid (2014), la beca de la Fundación Viana en colaboración con Bilbao Arte (2014) o la beca de paisaje de la Academia de San Quirce en Segovia, (2013).
En la obra Sin Título (2014) podemos apreciar como el trabajo pictórico de Federico Miró aborda, desde una muy depurada excelencia técnica, una profunda y radicalmente contemporánea relectura del género del paisaje donde el artista denota una enorme madurez creativa a pesar de su juventud. El artista reflexiona sobre la dicotomía de paisajes opuestos entre los que se desenvuelve la experiencia vital. Para ello maneja el juego de contrarios (natural-artificial) consiguiendo fundir en el lienzo los opuestos. La ilusión de la fabricación mecánica en serie creada mediante una constante de líneas horizontales y paralelas que cubren la totalidad de la superficie pictórica, deja paso a una reminiscencia vegetal que, al no concretarse como paisaje, deja emerger la imaginación del espectador en un espacio de sensación natural. La obra no solo busca esta maniobra de impactos en el observador sino que se atreve a jugar con su confusión cuando, tras un primer golpe de vista, somos conscientes de que la supuesta “fabricación mecánica” de líneas es en realidad resultado de una depurada técnica manual. Solo la cercanía a la obra proporciona la certeza del engaño de los propios sentidos y de una mente acostumbrada a tomar como parte de la cotidianidad lo digital y tecnológico, hasta el punto de crear falsas asociaciones. La sorpresa, la curiosidad y la contemplación se unen, así, para conformar la experiencia del espectador.

Bartolomé Montes (Linares, 1979)
Ha estudiado Bellas Artes en las facultades de Altea, Salamanca y Málaga, complementando esta formación con diferentes talleres como el de “Body Art and Performance” impartido por Marina Abramovic en 2005 en el CENDEAC, Murcia. Ha participado de forma colectiva e individual en alrededor de 20 muestras donde destacan las exposiciones en el CAC o el IVAM, y en ferias internacionales como SCOPE Basel o KUNST Zürich. Además, ha obtenido diferentes premios por sus obras entre 2005 y 2014, como el segundo premio en Artes Visuales del certamen MálagaCrea 2014 o la Mención recibida en el XXXIV Premio BANCAJA de Pintura, Escultura y Arte Digital.
Real (2014), como título, contiene un juego de significados dada la polisemia. Por un lado podremos abordar la obra desde el concepto de REALIDAD = Contexto, como la de los personajes retratados, que por su estatus y por lo que representan está íntimamente ligada a la nuestra, convirtiéndose en un espejo donde mirarnos como ciudadanos. De esta manera la pieza toma así un carácter SOCIAL que nos conducirá al debate o simplemente a una legítima crítica u opinión. Pero también podremos acercarnos a ella obviando cualquier doble intención, con el mero objetivo de la exploración visual, ya que la técnica empleada, que podríamos definir “modelado en seco”, aporta a la pieza gran expresividad gestual y una dosis elevada de perfeccionismo a la hora de captar las señas de identidad del personaje. Para la realización de REAL, como en el resto de este tipo de esculturas, nunca utilizo material limpio comprado para la ocasión, aprovecho la huella del uso anterior de ese cartón, tela u objeto cotidiano para conferir personalidad a mi trabajo. Las herramientas con las que trabajo casi en exclusiva son cúter, tijeras y serrucho, y la parte de modelado se realiza directamente con las manos desnudas.

Violeta Niebla (Málaga, 1981)
Estudió Filología Inglesa pero es en la fotografía donde encuentra su lenguaje más legítimo, su yo potencial. Su trabajo ha podido verse en salas malagueñas como el Espacio Iniciarte del Palmeral, Procesos Cruzados, la Fundación Cruzcampo, GACMA, entre otros. Fuera de los límites de su ciudad natal, su obra ha sido expuesta en le Dictateur (Milán), Photoboite (NY) y en la actualidad su trabajo está expuesto en la galería Punctum (México DF) y en Palma Photo 2015. Ha recibido dos becas de Iniciarte, y una residencia para artistas en el Centro de la imagen de Lima (Perú). Este verano se embarca junto al artista Emmanuel Lafont en un proyecto conjunto “Nada Dentro” bajo la beca de producción de Espacio Cienfuegos, recientemente adjudicada.
La obra de Violeta, está sujeta en tres pilares de expresión: la fotografía, la poesía y los textos teatrales o performativos; sin embargo en estas diferentes disciplinas reina siempre el interés visual así como narrativo, su discurso es un discurso poético y se escribe con imágenes en verso. La intuición dirige una búsqueda donde la identidad protagoniza todo tipo de tensiones. En una mezcla de estricta seriedad y melodrama, Violeta que vive oculta tras su flequillo, se convierte en una exhibicionista de sus tripas. Sin saber presentarse a sí misma, emula esa clase de artista del romanticismo que bien podrían ser un pseudónimo o no existir.
En la serie de Tipología de bañistas presenta tres cuadros/piezas retroiluminados donde se puede observar a una persona practicando en casa la pose para tirarse de cabeza, si bien, se le puede confundir con un busto esculpido porque nunca se producirá ese arroje; otra escondida detrás de una gaviota como un fantasma con su tesoro agarrado recién salido del mar y otra haciéndose el muerto, flotando en el agua con una luz de flash que se le explota en la cara. Traumas en torno al agua, antes, durante y después de un baño.

Erika Pardo Skoug (Málaga, 1980)
Licenciada en Bellas Artes y máster en Desarrollos Sociales de la Cultura Artística.
Actualmente reside en Norrköping (Suecia), donde compagina su empresa de diseño Trehundrafemti Design con su producción artística. Ha participado en numerosas exposiciones en ambos países, las últimas en Art & Breakfast (Málaga), Espacio Iniciarte (Málaga) y en el Festival Internacional de Korpilombolo (Suecia). En España ha participado en eventos como Málaga Crea y Loop Barcelona y expuesto en espacios tanto públicos como privados.
Faluröd (2014) supone a la vez un cambio y una continuidad en la temática de la artista, aunque el factor autobiográfico sigue estando presente. Tras una etapa centrada en sus dudas en torno a la maternidad, el cambio de su Málaga natal por los fríos paisajes escandinavos redirigió el centro de su producción al tema de la soledad. El rojo de Falun (del sueco Falu-röd) es el color del pigmento con el que se elabora la pintura aislante de exteriores que es de uso tradicional en las casas de Suecia. Es allí donde las duras condiciones climáticas y la ausencia de comunicación revelan en la maternidad la auténtica causa de un conflicto interno: el miedo a estar o a quedarse solo, la maternidad como método de huída de la soledad. Una soledad que es entendida como trauma y como desencadenante de la tragedia. Las casas rojas en medio de la nada de las fotografías representan lo humano y lo cálido, expuesto y vulnerable ante un entorno hostil de hermetismo e introversión. Y es ese mismo rojo que tiñe las aguas frías del paisaje nórdico en los vídeos el que nos advierte de las consecuencias fatales de la incomunicación y el aislamiento.

Mercedes Pimiento (Sevilla, 1990)
Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y ha desarrollado una estancia en la Winchester School of Art de la Universidad de Southampton (Reino Unido). En 2015 ha expuesto individualmente en la Galería Javier Silva (Valladolid). En 2014 expuso individualmente en la sala Kstelar (Sevilla) -dentro del programa Iniciarte de la Junta de Andalucía- y Guirigai (Los Santos de Maimona, Badajoz). Ya en 2015, su trabajo se ha
mostrado en las exposiciones VEO/GEO, en el Centro de las Artes de Sevilla y Arquitecturas de Soledad, en la Fundación FIArt en Madrid. Actualmente está participando en el Programa de Residencias San Andreu Contemporani 2015 en Barcelona.
Quiet Box consiste en insertar un metro cúbico de paisaje dentro del entorno urbano. Se trata de una porción de paisaje prefabricado, racionalizado, de aspecto industrial, desmontable y portátil.
No pretende ser un objeto evidentemente artístico introducido en la vía pública. Pretende interactuar con el ciudadano, desconcertarle, ser una llamada de atención; hacer que se fije en él por su desubicaci


Lugar:
Calle Fidias, 50, 29004 Málaga

Detalles

Fecha:
11 septiembre, 2015
Hora:
10:30 ~ 00:00
Evento Categoría:
Evento Etiquetas:
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